Tag: amalia di Lanno


Giuseppe Penone. Matrice

“Trees appear as solid beings, but if we observe them through time, in their growth they become a fluid, malleable matter. A tree is a being that memorizes its own shape and this shape is necessary to its life. Therefore, it is a perfect sculptural structure, because it carries the necessity of existence.” – Giuseppe Penone

FENDI presents the first exhibition of contemporary art at Palazzo della Civiltà Italiana in Rome.

From January 26 until July 16, 2017, the Maison’s headquarters hosts a solo exhibition entitled Matrice by Italian artist Giuseppe Penone.

The exhibition takes place in the extraordinary first floor of Palazzo della Civiltà Italiana, which FENDI has restored and opened to the public for exhibitions and installations.

Matrice is a unique opportunity to admire a selection of historical works and new productions realized specifically for this occasion by Giuseppe Penone, one of the greatest living sculptors. The exhibition features 17 artworks that date from the 1970s to the present, including many that are rarely seen and will be shown in Italy for the first time.

The entire exhibition has been conceived in dialogue with the monumental architectural spaces of the Palazzo della Civiltà Italiana, presenting a collection of artworks that contrast the clear-cut geometry and the marble facets of this building.

The exhibition is named after one of Giuseppe Penone’s most spectacular works, Matrice (2015), a 30-meter-long sculpture in which the trunk of a fir tree has been carved out following one of its growth rings, thus bringing to the surface the past of the tree and its transformations in time. A bronze mold has been cast in the wood, apparently freezing nature’s flow of life. Like many of Penone’s artworks, Matrice reveals the artist’s interest in the relationship between time and nature and, metaphorically, between nature, humankind and transience. In addition, a new major sculpture in stainless steel and bronze, over 20 meters tall, Abete (Fir Tree, 2013), is installed in front of Palazzo della Civiltà Italiana, adding a new natural dimension to the abstract geometric architecture of the EUR area.

With this exhibition by Giuseppe Penone, which is free to the public, FENDI renews its support and promotion of the highest expressions of contemporary culture, and its desire to merge innovation and tradition, savoir-faire and creativity—values always dear to the Maison.

Abete and the entire exhibition at Palazzo della Civiltà Italiana anticipate the unveiling of a major Penone sculpture, which will be permanently installed in Largo Goldoni, in the center of Rome, in the spring of 2017. This new sculpture titled Foglie di Pietra (Leaves of Stone, 2016) is one of the most complex artworks of Giuseppe Penone: two bronze trees—18 and 9 meter tall respectively—interlace their branches, lifting-up at 5 meters from the ground a sculpted marble block weighing 11 tonnes. This major donation marks the first time in which a significant contemporary artwork will be installed permanently in the public spaces of Rome.

Giuseppe Penone
January 27–July 16, 2017

Palazzo della Civiltà Italiana
Quadrato della Concordia
00144 Rome

Free Entrance

Palazzo della Civiltà Italiana – Quadrato della Concordia, 3.  Rome, Italy

Open every day from 10.00 am to 8.00 pm

For further information:


Tagreed Darghouth. Ain’t nowhere to hide

Contemporary Art Platform (CAP) is pleased to announce Tagreed Darghouth’s first exhibition in Kuwait called AIN’T NOWHERE TO HIDE

Exhibition is available till Saturday the 3rd of December 2016

About the exhibition

The human-less war

In 2011, Tagreed Darghouth presented Canticle of Death[1]. This solo exhibition at Agial Art Gallery in Beirut, consisted of two series of paintings, apparently independent and ultimately linked by the idea of death: nuclear weapons and skulls. Skulls are not something especially new in art history. In the 17th century, French, Spanish, Flemish and Dutch still life masters applied their virtuosity to depict these anatomical shapes inside compositions that included a multiplicity of objects related to arts, science and wealth. These were the vanities, symbolic artworks taking their name from a verse in the Ecclesiastes:

Vanitas vanitatum dixit Ecclesiastes vanitas vanitatum omnia vanitas

The Vanitas allege that everything, except the love of God, is futile. In opposition with these sophisticated accumulations, Darghouth’s skulls do not cohabit with anything. They float over an abstract pattern composed of flowers, stars, leaves or dots. Their sinister and frightening presences convey a fundamental menace towards humanity and should be seen in accordance with what (or who) the young artist previously painted. In 2010, Darghouth showed Fair and Lovely, a series of portraits of domestic maids. Fair and Lovely also included pictures of women having been subject to plastic surgery. These were already the main topic of Mirror, Mirror! in 2008. From Mirror, Mirror! to Fair and Lovely, Darghouth was revealing the Lebanese society through its extremes: foreign workers – let’s not say slaves – who only exist to serve their masters, and plastic surgery, very popular among the same masters of these workers. We have a confrontation between the inexistent body and the transformed body that attempted to defy time and death. In this perspective, the Vanitasis an absolute and definitive response.

[1] Tagreed Darghouth, Canticle of Death (Beirut: Agial Art Gallery), 2011. Essays by Joe Tarrab and Myrna Ayad.

About the artist

Tagreed Darghouth was born in 1979. She received a Diploma of higher education in Painting and Sculpting from the Lebanese University’s Institute of Fine Arts, and did a year of graduate studies in Space Art from at the École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs (ENSAD), Paris in 2003. She won the Boghossian Foundation Prize, in the catagory of painting, in 2012. She has held a number of solo exhibitions, including Vision Machines: Shall You See Me Better Now?, 2015,Rehearsals, 2013, Canticle of Death, 2011, Fair & Lovely, 2010, and Mirror, Mirror!, 2008, all at Agial Art Gallery, Beirut. And she has participated in various group exhibitions, including “Thin Skin: Six Artists from Beirut,” Taymour Grahne Gallery, New York, 2015; “Insondable Surface,” French Cultural Center, Beirut, 2013; “Re-Orientations I,” Rose Issa Projects, London, 2012; and “10th Anniversary of Kasa Art Gallery,” Kasa Gallery, Istanbul, 2010.

Contemporary Art Platform (CAP) is a non-profit private organization dedicated to developing and supporting the arts in Kuwait and throughout the region. CAP is one of the largest exhibition spaces in the region and since its founding in 2011 by art collector Amer Huneidi. The gallery space has presented exhibitions of established and international artists, as well as emerging and local artists through collective, thematic shows mainly curated by Arab and international curators.

CAP’s mission is equally committed to its extensive education program which offers a variety of opportunities to the community. Workshops are held regularly in the Studio Space, where youth and children are invited to learn from local and visiting artists. Artist talks and panel discussions are presented in conjunction with exhibitions, exhibition tours are offered to school groups and film screenings are shown twice a month. CAP’s library holds over two thousand titles and is the largest public art book library in Kuwait. These resources have positively impacted local contemporary art appreciation and understanding. As the only institution of its kind, CAP has played a principal role in establishing Kuwait as a contributor to the global art world and fostering the next generation of art lovers in the region.

Contemporary Art Platform Kuwait
Industrial Shuwaikh, Block 2, Street 28
Life Center (same building as Eureka), Mezzanine
T: +965 2492 5636


Sandra Vásquez de la Horra. El Canto del Desierto

Sandra Vásquez de la Horra
El Canto del Desierto

Inaugurazione 20 Gennaio 2016, ore 19
Opening January 20, 2016 at 7pm
20 Gennaio – 10 Marzo, 2016 / January 20 – March 10, 2016
Via Ventura, 3 Milan 20134 Italy

Prometeogallery è lieta di presentare la prima mostra personale in Italia di Sandra Vasquez de la Horra: El canto del desierto.
Le opere, disegni e sculture rievocano miti e leggende popolari che provengono dalla tradizione afro-latinoamericana della mitologia Yoruba e attingono al repertorio personale delle memorie e del vissuto dell’artista, in un alternarsi continuo di citazioni ed elementi che richiamano alla cultura europea da una parte e a quella latinoamericana dall’altra.
Nonostante abbia scelto l’Europa come sua patria elettiva l’ opera di Sandra Vasquez de la Horra è profondamente legata alla cultura e all’iconografia della sua terra di origine, il Cile.
Con la sua opera l’ artista intende superare il concetto di testimonianza storica e antropologica: esprime graficamente la complessità del proprio intimo, il senso di ambiguità, disegnando figure la cui identità resta intrappolata in una sorta di incompiutezza ; esseri morfologicamente e intimamente destabilizzanti all’occhio dello spettatore, situati tra il sogno e la visione, il sacro e il profano, a volte grotteschi e caricaturali, altre volte leggiadri e delicati.
Il processo di produzione dei suoi disegni è esso stesso molto suggestivo. L’artista immerge infatti i fogli di carta nella cera d’api, come fosse un rituale magico che rafforza il potere evocativo di ciò che è rappresentato, e conferisce all’immagine la sostanza materiale e il valore simbolico della reliquia e allo stesso tempo cristallizza il sentimento da cui scaturisce l’opera stessa.
La proiezione di un’immagine mentale, di un luogo dello spirito, diviene icona, capace di trascendere il sentimento individuale della sua indefinitezza sostanziale.Continue Reading..


Silvia Camporesi. ATLAS ITALIAE

La Galleria del Cembalo, in collaborazione con z2o Sara Zanin Gallery, apre al pubblico dal 20 febbraio al 9 aprile una mostra dedicata al nuovo lavoro di Silvia Camporesi. Un viaggio nell’Italia abbandonata e in via di sparizione, fotografata come realtà fantasmatica. Atlas Italiae rappresenta le tracce di un qualcosa di passato ma tuttora ancorato ai propri luoghi d’origine. Energie primordiali e impalpabili che diventano materiali tramite il mezzo fotografico. Silvia Camporesi ha esplorato nell’arco di un anno e mezzo tutte le venti regioni italiane alla ricerca di paesi ed edifici abbandonati. Atlas Italiae è il risultato di questa raccolta di immagini, una mappa ideale dell’Italia che sta svanendo, un atlante della dissolvenza.
La serie fotografica si presenta come una collezione poetica di luoghi, fondata sulla ricerca di frammenti di memoria. Borghi disabitati da decenni che sembrano non esistere nemmeno sulle cartine geografiche, architetture fatiscenti divorate dalla vegetazione selvaggia, archeologie industriali preda dell’oblio, ex-colonie balneari decadenti che paiono imbalsamate nel tempo del “non più”. “Nelle immagini dell’artista il velo dell’anonimato e del silenzio visivo si apre svelando l’anima di luoghi congelati nelle nebbie dell’amnesia generale. Qui lo sguardo di Silvia Camporesi va oltre la pura registrazione di uno stato della realtà, è indirizzato sia a cogliere la tensione silenziosa di un’Italia degli estremi sia a rivelare per la prima volta qualità liminari, inespresse, portatrici di un mistero e di un incanto”. Questo scrive Marinella Paderni nel testo che apre il volume Atlas Italiae, edito da Peliti Associati.
La mostra, che presenterà per la prima volta una selezione così ampia di immagini, sarà suddivisa tra stampe grande formato a colori e stampe più piccole in bianco e nero, colorate a mano con un procedimento – omaggio al passato della fotografia – attraverso il quale l’artista cerca di restituire simbolicamente ai luoghi l’identità persa.

Silvia Camporesi, nata a Forlì nel 1973, laureata in filosofia, vive e lavora a Forlì. Attraverso i linguaggi della fotografia e del video costruisce racconti che traggono spunto dal mito, dalla letteratura, dalle religioni e dalla vita reale. Negli ultimi anni la sua ricerca è dedicata al paesaggio italiano. Dal 2003 tiene personali in Italia e all’estero – Terrestrial clues all’Istituto italiano di cultura di Pechino nel 2006; Dance dance dance al MAR di Ravenna nel 2007; La Terza Venezia alla Galleria Photographica fine art di Lugano nel 2011; À perte de vue alla Chambre Blanche in Quebec (CAN) nel 2011; 2112, al Saint James Cavalier di Valletta (Malta) nel 2013; Souvenir Universo alla z2o Sara Zanin Gallery di Roma nel 2013; Planasia al Festival di Fotografia Europea di Reggio Emilia nel 2014; Atlas Italiae all’Abbaye de Neumünster in Lussemburgo nel 2015. Fra le collettive ha partecipato a: Italian camera, Isola di San Servolo, Venezia nel 2005; Confini al PAC di Ferrara nel 2007; Con gli occhi, con la testa, col cuore al Mart di Rovereto nel 2012, Italia inside out a Palazzo della Ragione, Milano nel 2015. Nel 2007 ha vinto il Premio Celeste per la fotografia; è fra i finalisti del Talent Prize nel 2008 e del Premio Terna nel 2010; ha vinto il premio Francesco Fabbri per la fotografia nel 2013 e il premio Rotary di Artefiera 2015. Atlas Italiae è il suo terzo libro fotografico.

Immagine: Atlas Italiae1. Hotel Porretta Terme (Emilia Romagna)

Galleria del Cembalo
Largo della Fontanella di Borghese, 19 – Roma
Tel. 06 83796619
20 febbraio / 9 aprile 2016
da martedì a venerdì: 16.00 – 19.00
sabato: 10.30 – 13.00 e 16.00 – 19.00
Ufficio stampa Galleria del Cembalo
Davide Macchia | ufficiostampa@galleriadelcembalo.it
tel. 06 83081425 | cel. 340 4906881


Alexander Calder. Performing Sculpture

11 November 2015 – 3 April 2016
Tate Modern, Level 3
Open daily from 10.00 – 18.00 and until 22.00 on Friday and Saturday

Tate Modern presents the UK’s largest ever exhibition of Alexander Calder (1898-1976). Calder was one of the truly ground-breaking artists of the 20th century and as a pioneer of kinetic sculpture, played an essential role in shaping the history of modernism. Alexander Calder: Performing Sculpture will bring together approximately 100 works to reveal how Calder turned sculpture from a static object into a continually changing work to be experienced in real time.

Alexander Calder initially trained as an engineer before attending painting courses at the Arts Students League in New York. He travelled to Paris in the 1920s where he developed his wire sculptures and by 1931 had invented the mobile, a term first coined by Marcel Duchamp to describe Calder’s motorised objects. The exhibition traces the evolution of his distinct vocabulary – from his initial years captivating the artistic bohemia of inter-war Paris, to his later life spent between the towns of Roxbury in Connecticut and Sachéin France.

The exhibition will feature the figurative wire portraits Calder created of other artists including Joan Miró 1930 and Fernand Léger c.1930, alongside depictions of characters related to the circus, the cabaret and other mass spectacles of popular entertainment, including Two Acrobats 1929, The Brass Family 1929 and Aztec Josephine Baker c.1929. Following a visit to the studio of Piet Mondrian in 1930,where he was impressed with the environment-as-installation, Calder created abstract, three-dimensional, kinetic forms and suspended vividly coloured shapes in front of panels or within frames hung on the wall. Red Panel 1936, White Panel 1936 and Snake and the Cross 1936 exemplify the artist’s continuous experimentation with forms in space and the potential for movement to inspire new sculptural possibilities. They will be shown together with a selection of other panels and open frames for the first time, illustrating this important moment in Calder’s development.

Continue Reading..


DPI – Darkness Per Inch | Mustafa Sabbagh e Milena Altini

DPI – Darkness Per Inch
doppia personale di Mustafa Sabbagh e Milena Altini
dal 6 febbraio al 19 marzo 2016
Galleria Marcolini – Forlì

Il titolo accenna al monopolio cromatico del Nero nel lavoro presentato dai due artisti in Galleria Marcolini, dal 6 febbraio al 19 marzo 2016.
Le fotografie dalla matericità pittorica di Mustafa Sabbagh hanno quasi tutte una composizione tradizionale dalle reminiscenze religiose; l’artista italo-giordano ritrae contemporanee Madonne con Bambino e Pietà i cui corpi sporchi, imbevuti spesso di un materico colore petrolio, pulsano anche nell’immobilità delle loro pose.
Una donna bionda, di cui conosciamo il nome – come Francis Bacon ci confessava l’identità di chi ritraeva all’interno delle camere d’albergo, così Sabbagh ci fa conoscere i nomi dei suoi modelli, quasi sempre esplicitandoli nei titoli dei files – maneggia lo strumento ginecologico di dilatazione vaginale come se fosse una pistola. Ci ricorda che corpo e battaglia spesso sono sinonimi, e di come dolore e sofferenze siano connaturati e acquisiti tramite una condizione di genere, sessuale.
Paesaggi sublimi e romantiche contemplazioni naturali si alternano a ritratti non solo dall’invadente potenza estetica, ma anche provocatori. Innocenza e consapevolezza. William Blake e Bill Henson.  Ugualmente innocenti, indipendenti da ogni giudizio, e parimenti consapevoli, avvolgendosi potentemente su loro stesse, le Waiting Souls di Milena Altini sono un gruppo scultoreo di anime perfette, collegate nella loro unità di forme e di fine. Lembi di pelle di vitello e di agnello, sacri o sacrificali a seconda della loro latitudine di provenienza, dal movimento di una spirale e tono di un’ascesa. La Altini, percorrendo i gradienti di nero del derma delle sue anime, ne onora una immensa composta da mille altre sue simili, sul solco di una cucitura e di una necessità contingente, ma ancora incomprensibile.  Attraverso il linguaggio che più le si confà: la scultura. Parlando la lingua che meglio conosce: quella della pelle. Sfiorando corde note ad ogni essere umano, ma soprattutto ad ogni donna: quelle dell’attesa. Berlinde de Bruyckere ed Eva Hesse.
Fil rouge tra i due artisti, oltre al riferimento cromatico, è ovviamente il corpo o – ricordando Malaparte – la pelle, corpo livido e materia evocativa, e – parafrasando Bulgakov – la carne, il cui odore che si sente da lontano toglie significato anche all’atto di imparare a leggere.

Galleria Marcolini
via Francesco Marcolini 25/A – 47121 forlì
Orari: mercoledì e giovedì, dalle 16.30 alle 19.30
venerdì e sabato, dalle 10 alle 13 e dalle 16.30 alle 19.30
visitabile anche su appuntamento
Info: +39 388 3711896 – info@galleriamarcolini.it


FAIG AHMED – Points of Perception

a cura di Claudio Libero Pisano

10 febbraio – 29 marzo 2016

MACRO Testaccio
Padiglione 9A
Piazza Orazio Giustiniani, 4 – Roma

Il MACRO – Museo d’Arte Contemporanea Roma ospita la prima personale italiana presso un museo dell’artista azero Faig Ahmed (Baku, 1982). Nel padiglione 9A del MACRO Testaccio si svolge infatti, dal 10 febbraio al 29 marzo 2016, la mostra Points of Perception, a cura di Claudio Libero Pisano, promossa da Roma Capitale – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, dall’Ambasciata della Repubblica dell’Azerbaigian in Italia, e realizzata in collaborazione con la galleria Montoro12 Contemporary Art di Roma.

L’artista espone al MACRO Testaccio una serie di opere site-specific che hanno come filo conduttore il Sufismo. Attraverso questa forma di ricerca mistica, l’artista crea la relazione tra la coscienza e tutto quanto esiste al di fuori di essa. L’arte è uno strumento per ampliare i sensi, e l’artista il tramite della condivisione. Sperimentando tecniche diverse e collegandole a pratiche mistiche, Ahmed trova una sua peculiare soluzione all’interrogativo sulla percezione della verità. L’arte è una disciplina senza confini e serve a comprendere la storia dell’essere umano, dei suoi percorsi inerpicati sul confine stretto tra coscienza e percezione. Tra misticismo e realtà. L’artista, per paradosso, utilizza l’ascetismo Sufi proprio per interpretare la realtà nei suoi aspetti più concreti. L’arte, secondo Ahmed, è un passepartout eccellente per riconnettere passato e presente, tradizione e modernità. La sua natura e le sue tecniche non hanno confini, e tutto ciò che è dentro e fuori la percezione può essere interpretato attraverso i suoi infiniti linguaggi. L’artista è un esploratore attivo che, come uno sciamano, mette in relazione la mente e il corpo. Le sue opere sono un messaggio di condivisione che pone interrogativi e sollecita stupore e meraviglia. L’aspetto estetico ha un ruolo decisivo solo se accostato al processo che l’ha maturato e reso possibile. La mostra è composta da numerose opere, tra cui grandi installazioni, video, e i suoi noti “carpet works”, con i quali l’artista trasforma oggetti dalla tradizione secolare in imponenti opere d’arte contemporanea, creando manufatti che sembrano proiettati nel futuro grazie a un’estetica azzardata e fuori dal tempo, nonostante l’esecuzione fedele ad antichissimi procedimenti. Partendo infatti dal design dei tradizionali tappeti dell’Asia centrale, Ahmed li manomette e li riprogetta in forma digitale sul computer. Il risultato è trasportato su disegni a grandezza naturale, che, come nella realizzazione dei tappeti tradizionali, vengono poi realizzati da artigiani locali su telai tradizionali, dando vita ad oggetti nei quali si è portati a perdersi, dove il segno viene continuamente spostato, pixellato, liquefatto. Al centro della sala, è posta una monumentale installazione che sfida le leggi fisiche e dispone il pavimento tessuto di una moschea in una sorta di onda che travolgere lo spettatore.Continue Reading..


Goshka Macuga

Fondazione Prada presenta a Milano la mostra di Goshka Macuga “To the Son of Man Who Ate the Scroll” dal 4 febbraio al 19 giugno 2016 negli spazi del Podium, della Cisterna e della galleria Sud. Il progetto è stato ideato da Goshka Macuga che nella sua ricerca artistica ricopre i ruoli normalmente distinti dell’autore, curatore, collezionista, ricercatore e ideatore di mostre. Macuga descrive queste categorie normalmente associate alla sua pratica come definizioni che “descrivono e individuano la sua posizione all’interno di una tassonomia della storia dell’arte”. L’artista opera nel punto d’incontro tra discipline diverse come la scultura, l’installazione, la fotografia, l’architettura e il design. Esplora le modalità e le motivazioni con cui ricordiamo eventi personali e culturali, concentrando l’attenzione sullo sviluppo di complessi sistemi di classificazione in grado di dare forma e tramandare la conoscenza, in tempi caratterizzati da una tecnologia in costante evoluzione e da una saturazione di informazioni.
“To the Son of Man Who Ate the Scroll”, concepito dall’artista per gli spazi della Fondazione Prada, esplora questioni fondamentali come il tempo, l’origine, la fine, il collasso e la rinascita. Osservando l’angoscia che accomuna l’umanità di fronte all’idea della propria estinzione, Macuga si pone un interrogativo essenziale: quanto è importante affrontare la questione della “fine” nel contesto della pratica artistica attuale? La capacità di pensare l’universo in maniera astratta e oggettiva e di concepire noi stessi come esseri umani ci permette di determinare l’epoca in cui viviamo come una delle molte ere dell’universo e di immaginare un’esistenza dopo di noi, un universo senza l’uomo. All’interno di questo scenario apocalittico, alcuni studiosi hanno riflettuto sul ruolo della tecnologia e dei robot come fattori che potenzialmente contribuiscono all’estinzione dell’umanità e alla loro successiva dominazione sul mondo. Il “man-made man” (l’uomo perfetto prodotto dall’uomo) potrebbe trasformarsi in una delle maggiori minacce nei confronti del suo stesso creatore e proprietario. Non a caso nel corso della storia il potere della tecnologia ha generato nell’uomo fantasie, preoccupazioni e paure, come dimostra l’invenzione di figure mitologiche quali Prometeo o di personaggi letterari come il mostro di Frankenstein.
La mostra di Macuga segna il culmine di una sua lunga e approfondita ricerca finalizzata a elaborare una metodologia di categorizzazione di materiali e informazioni attorno a questi temi. L’artista considera l’arte della retorica e la memoria artificiale come strumenti interconnessi, in grado di organizzare e far progredire la conoscenza. Concepita originariamente nell’antica Grecia, la retorica è stata celebrata nel Rinascimento non solo come una tecnica finalizzata alla formulazione di discorsi, dibattiti, ragionamenti, ma anche come uno strumento per organizzare le idee attraverso la costruzione della conoscenza e delle tecniche mnemoniche. L’Ars memorativa getta le basi della memoria artificiale estendendo e sviluppando la memoria naturale attraverso visualizzazioni complesse che richiamano informazioni specifiche. L’influenza di questa macro-struttura risuona nella mostra “To the Son of Man Who Ate the Scroll”, in cui sono inclusi riferimenti all’arte della retorica e alle tecniche mnemoniche. Continue Reading..


Maria Evelia Marmolejo. Engagement / Healing

Engagement / Healing
Maria Evelia Marmolejo
a cura di Cecilia Fajardo-Hill

Inaugurazione: 17 Settembre, 2015
17 Settembre – 10 Novembre, 2015
prometeogallery di Ida Pisani, Via Ventura 3, Milano
Maria Evelia Marmolejo: Engagement / Healing è la prima mostra personale dell’artista in Europa. Maria Evelia Marmolejo, (Cali, Colombia, 1958) è una pioniera dell’arte performativa in America Latina. La sua attività, di carattere radicale, iniziò nei tardi anni ’70 e sin dagli inizi fu plasmata dalla militanza contro l’oppressione politica colombiana degli anni ’70 e ’80; dal difficile ruolo della donna in una società patriarcale; dal significato simbolico e politico del corpo femminile e, col passare del tempo, anche da questioni ambientali. Marmolejo andò in esilio volontario in Spagna nel 1985, anno in cui la sua attività cessò quasi totalmente, per riprendere nel 2013.

L’esibizione avrà carattere retrospettivo includendo fotografie delle sue performance a partire dal 1981, gli unici due video pervenuti risalenti agli anni ’80, e opere recenti. In occasione di questa mostra l’artista presenterà una performance inedita, Extractivismo, 2015. La mostra intende evidenziare l’importanza, oggi come negli anni ’80, dell’impegno radicale e politico dell’artista in relazione a temi quali il femminismo, la crisi politica, l’oppressione, il colonialismo e l’ecologia, e quanto questo implichi un potente intervento simbolico ai fini sia della riflessione critica, sia della guarigione.

Extractivismo, 2015, è la nuova performance che Marmolejo presenterà presso Prometeo Gallery. In questa occasione Marmolejo posizionerà sul proprio corpo sanguisughe vive che estrarranno il suo sangue. Questa azione illustrerà il modo in cui noi umani stiamo estraendo dalla terra risorse naturali quali petrolio, oro e legno mentre distruggiamo, inquiniamo e sfruttiamo altri esseri umani. L’estrazione del sangue rappresenterà il perpetuo saccheggio del nostro mondo.

Via Giovanni Ventura, 3
20134 Milano, Italia

Lunedì – Venerdì
10.30 – 19.30
15.30 – 19.30
+39 (0) 226924450


HUMA BHABHA – The Company

There is so much physical destruction happening in different parts of the world, to the extent that many functioning cities look like archeological digs. One of the ways I like to approach the past is in a cinematic way, reimagining the past and projecting towards the future just as movies often do.
—Huma Bhabha

Gagosian is pleased to present The Company, new sculptures and drawings by Huma Bhabha. This is her first exhibition in Rome.

In expressive drawings on photographs as well as figurative sculptures carved from cork and Styrofoam, assembled from refuse and clay, or cast in bronze, Bhabha probes the tensions between time, memory, and displacement. References to science-fiction, archeological ruins, Roman antiquities, and postwar abstraction combine as she transforms the human figure into grimacing totems that are both unsettling and darkly humorous.

The Company is inspired in part by “The Lottery in Babylon” (1941), a short story by Jorge Luis Borges in which a fictional society is taken over by a pervasive lottery system that doles out both rewards and punishments. The lottery is purportedly run by the Company, a secret, perhaps nonexistent body determining peoples’ fates. Bhabha’s procession of sculptures makes visible the power of this unseen Company. It comprises a pair of large, disembodied hands floating atop transparent plinths; a seated figure; and several standing figures of varying scale. Drawings on photographs echo these forms and characters, which could have come from a distant realm of the future just as easily as from a lost civilization. The standing figures are carved from stacks of dark cork—which emits an earthy, acrid odor—and its technical inverse, Styrofoam. These materials appear to be hard and dense, like eroded stone or freshly quarried marble, but they are lightweight and soft, allowing Bhabha to carve quickly and spontaneously without over-refining. The sculptural process thus becomes a sort of embodied stream of consciousness from which alien monsters, fertility goddesses, and Greek kouroi emerge.

The masklike visages of Bhabha’s sculptures are at once majestic and jarring. Painted in incongruous pastel tones—blue, mauve, pink, and green—they recall graffiti, where urban grime combines with interventions of glowing color. With their deranged, cartoonish features empowered by a foreboding bipedalism, Bhabha’s sculptures seem to both mock and warn as reflections of and witnesses to human pride and power, veneration and iconoclasm.

Pairing the scars of war, colonialism, and trauma with allusions to current events and popular media, Bhabha has long maintained that the world is an apocalypse, both man-made and natural; her ravaged sculptures appear to have witnessed some measure of catastrophe yet survived to tell the tale. Like an enthroned pharaoh or cyborg caught in a shower of shrapnel, a seated figure is assembled from sallow clay pressed into chicken wire, mottled fragments of Styrofoam, toy dog bones, and rusted chairs from Bhabha’s hometown of Karachi, caught in the crossfire of internecine and international conflict.

In Bhabha’s large drawings, human and nonhuman figures occupy the intersection of photography, collage, and painterly gesture—their composite faces and shadowy forms seeming to haunt landscapes, city streets, and architectural settings. In one, a blue and beige arch is imposed on Bhabha’s own photograph of an ancient dog statue in Rome’s Musei Capitolini, with two white kouroi looming in the background.

On the occasion of the exhibition, the Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea in Rome will host a conversation between Bhabha and Cristiana Perrella, director of the Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci in Prato, on September 18 at 6pm. The event will be held in English and open to the public.

Italian belowContinue Reading..